Andrea Tamme, eine kanadische Digitalkünstlerin, die in den sozialen Medien als Lothlenan bekannt ist, hat ihre künstlerischen Fähigkeiten genutzt, um ein einzigartiges Projekt zu erstellen. Sie hat einige bekannte klassische Gemälde aufgenommen und ihre Hauptfiguren als verschiedene Ikonen der Popkultur neu interpretiert!
Der Künstler kam auf die Idee für diese Serie, als er Thomas Gainsboroughs Gemälde mit dem Titel „Mr. und Mrs. Andrews “. Sie beschloss, dem Gemälde eine lustige Wendung zu verleihen, indem sie eine der Figuren durch Lemongrab ersetzte - eine urkomische hysterische Figur aus der Zeichentrickserie „Adventure Time“. Die Freunde von Andrea verliebten sich sofort in diese Idee und der Künstler verwandelte das Ganze schließlich in eine Serie.
Schauen Sie sich die klassischen Gemälde an, die Andrea in der Galerie unten neu interpretiert hat!
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Weiterlesen# 1 Frau mit Sonnenschirm (Claude Monet) als Chu Totoro
Bildquelle: Lothlenan
Die Frau und das Kind auf dem linken Gemälde sind Madame Monet, die Frau des Malers, und ihr Sohn, die beiläufig spazieren gehen. Während es auf den ersten Blick wie ein einfaches Ölgemälde aussieht, gibt es viele getarnte Symbole: Madame Monets Sonnenschirm, Schleier und das Kleid zeigen ihren Status an, obwohl die Familie zu dieser Zeit nicht reich war. Der Sonnenschirm kann auch als Symbol des Schutzes verstanden werden.
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# 2 Selbstporträt mit ihrer Tochter (Élisabeth Louise Vigée Le Brun) als Neo Queen Serenity und kleine Dame
Bildquelle: Lothlenan
Das Gemälde zeigt Vigée Le Brun selbst mit ihrer Tochter Julie. Ein wichtiger Teil des Gemäldes ist die Nähe der beiden Motive - sie erscheinen fast als eins. Leider hatte die Familie einige Schwierigkeiten, insbesondere während ihrer Tage in Russland, wurde aber vor Julies tragischem Tod im Jahr 1819 wieder vereint.
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# 3 Der Kuss (Gustav Klimt) Als Sophie und Heulen
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Bildquelle: Lothlenan
Der Kuss, ein Ölgemälde des österreichischen Malers Gustav Klimt, war mit Blattgold und Silber verziert und wurde trotz seiner verdeckten Motive von vielen Zuschauern der damaligen Zeit als „pornografisch“ angesehen.
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# 4 Die Schaukel (Jean-Honoré Fragonard) als Rosenquarz
Bildquelle: Lothlenan
Jean-Honoré Fragonards 'The Swing' gilt allgemein als eines der bekanntesten Gemälde der Rokoko-Ära. Es zeigt die Geliebte des Barons von Saint-Julien auf einer Schaukel mit ihrem Ehemann, während sich ihr Geliebter im Gebüsch versteckt und zu dieser Zeit als sexuelle Metapher angesehen wurde. Der verlorene Schuh hat auch Bedeutung - er symbolisiert den Verlust der Unschuld.
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# 5 Der Schrei (Edvard Munch) Als Rick und Morty
Bildquelle: Lothlenan
Edvard Munchs 'The Scream' ist ein Gemälde, das die meisten von uns erkennen können. Die schreiende Figur symbolisiert die Angst des modernen Menschen. Der Künstler selbst musste etwas Ähnliches erleben, als er von seinen beiden im Hintergrund gezeigten Gefährten zurückgelassen wurde, doch die Figur auf dem Gemälde soll nicht dem Munch selbst ähneln.
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# 6 Le Printemps (Pierre Auguste Cot) Als Prinzessin Bubblegum und Marceline
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Pierre Auguste Cots 'Le Printemps' ist ein Öl-auf-Leinwand-Gemälde aus der Mitte des 19. Jahrhunderts, das ein Paar zeigt, das einen romantischen Tag auf der Schaukel genießt. Der Künstler ließ sich vom Neoklassizismus und der Romantik inspirieren und war bekannt für seine sinnlichen Kunstwerke.
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# 7 Die Auszeichnung (Edmund Leighton) als Link und Prinzessin Zelda
Bildquelle: Lothlenan
Das Gemälde des britischen Künstlers Edmund Leighton 'The Accolade' zeigt genau das, was der Name andeutet - die Preisverleihungszeremonie, bei der ein Soldat in die Reihen eines Ritters befördert wird. Das komplizierte Gemälde des Künstlers konzentriert sich stark auf die Kleidung der Motive und ihre lebendigen Farben.
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# 8 God Speed (Edmund Leighton) Als Prinzessin Zelda und Link
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Bildquelle: Lothlenan
Edmund Leightons Öl-auf-Leinwand-Gemälde 'God Speed' zeigt einen Ritter, der in die Schlacht zieht, während sich sein Geliebter verabschiedet. Sie wird gezeigt, wie sie eine Schärpe um seinen Arm bindet - ein Symbol für viel in diesen Zeiten.
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# 9 Porträt von Ludwig XIV. (Hyacinthe Rigaud) als Eiskönig
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Bildquelle: Lothlenan
Dieses Porträt von Ludwig XIV., Gemalt vom französischen Maler Hyacinthe Rigaud, wurde vom König in Auftrag gegeben, der sein Enkelkind mit einem persönlichen Porträt erfüllen wollte. Es sollte ein Geschenk für Philipp V. von Spanien sein, aber es war am Hof einfach zu beliebt und es wurde beschlossen, es nicht zu versenden.
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# 10 Mädchen mit einem Perlenohrring (Johannes Vermeer) als Prinzessin Peach
Bildquelle: Lothlenan
Johannes Vermeers 'Mädchen mit dem Perlenohrring' ist eine weitere Ikone, die die meisten von uns erkennen können. Es zeigt eine junge Dame mit einem Perlenohrring und ist für den Maler ziemlich ungewöhnlich, da er normalerweise Menschen malt, die die täglichen Aufgaben erledigen.
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# 11 Jeanne d'Arc (Charles-Amable Lenoir) Als Jeanne D'arc
Bildquelle: Lothlenan
Viele Künstler haben Jeanne d'Arc in ihren Kunstwerken dargestellt - wie dieses Gemälde von Charles-Amable Lenoir. Obwohl die Eltern des Künstlers seinen Wunsch, Maler zu werden, nicht unterstützten, hinderte ihn dies nicht daran, Studienmeister und später Lehrer an einer weiterführenden Schule zu werden. Er debütierte 1887 im Pariser Salon und stellte dort sein ganzes Leben lang aus. Leider galten die Gemälde des Künstlers in seinen späteren Jahren als „aus der Mode“.
# 12 Mr. und Mrs. Andrews (Thomas Gainsborough) als Earl of Lemongrab und Lady Lemongrabs
Bildquelle: Lothlenan
Karo kein Ass: Akt ii
Thomas Gainsboroughs „Mr. Und Mrs. Andrews ist ein Öl-auf-Leinwand-Gemälde, das der Künstler 1748 schuf. Es ist eine für die damalige Zeit eher ungewöhnliche Komposition, da der Landschaft viel Aufmerksamkeit geschenkt wurde.
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# 13 Mona Lisa (Leonardo Da Vinci) als Tina Belcher
Bildquelle: Lothlenan
Leonardo da Vincis 'Mona Lisa' muss das kultigste Gemälde sein, das jemals geschaffen wurde - und das wertvollste auch. Es zeigt eine junge Frau, deren Lächeln immer noch von Menschen überall verehrt wird, vor einer bergigen Landschaft. Einige Leute sagen, dass das Gemälde so viel Aufmerksamkeit auf sich gezogen hat, weil es dem Maler gelungen ist, die Seele seines Motivs einzufangen.
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